Presentación de muestras

Refugios en la galería Praxis

PRESENTACIÓN DE LA MUESTRA: “REFUGIOS” DE MIRELLA MUSRI EN LA GALERIA PRAXIS. NOVIEMBRE – DICIEMBRE 2016. 

En la serie “Refugios”, la artista plástica, Mirella Musri, alude a los múltiples lugares en los cuales podemos sentirnos a salvo y también encontrar un espacio para el deleite. Desde su sagacidad intelectual y sensibilidad cromática, Musri nos recuerda que estos sitios resguardados pueden ser físicos, emocionales y/o espirituales.

A su vez, la serie “Refugios”, se nutrió de la interactividad de las redes sociales, ya que la artista, por medio de la pregunta: ¿Cuál es tu refugio? recibió variadas respuestas de sus contactos que le sirvieron de inspiración. Esta serie evidencia que en ocasiones, la protección anhelada, bien puede hallarse en el mundo interior, cuando el individuo se permite la fruición en la música, la literatura, la meditación, la naturaleza, las relaciones humanas, o en otros espacios, que difieren según los gustos personales.

A través de sus xilografías, pintura y cerámicas, los personajes híbridos y fabulescos de aura inocente, exploran diferentes formas posibles de encontrar un resguardo frente a amenazas externas. Así como el violinista se reconforta con su dulce melodía, el lector apasionado amplía sus horizontes al dejarse subyugar por el objeto de su afecto. Mientras que la plácida naturaleza se convierte en el amparo eficaz para los espíritus aturdidos por la vorágine de las grandes urbes.

A modo de un elocuente rompecabezas visual, los “Refugios” de Musri, reflexionan sobre problemáticas actuales dando cuenta de su vasta trayectoria como ilustradora. La necesidad de protegerse frente a los peligros del mundo exterior se convierte en imperativo de supervivencia en el caso de los refugiados. Una alerta sobre la urgencia de la empatía y solidaridad ante los avances del terrorismo bélico. Por su parte, los seguidores, pueden ser el solaz de su líder y éste el de aquéllos, siempre que sus lazos estén secundados de una recíproca y amorosa lealtad.

Lic. María Gabriela Figueroa

 

 

Tanta tinta en Agencia Cultural de Tigre

 

 

 

 

 

Vladimir Merchensky Arias: “Tanta tinta” en Agencia de Cultura de Tigre. Del 1° de septiembre al 2 de octubre 2016

Vladimir Merchensky Arias nació en Venezuela en 1978. Pasó su infancia en Brasil y luego en la Patagonia argentina. Desde 1995, vive en Buenos Aires, adonde vino para iniciar sus estudios superiores en reconocidas instituciones como la Universidad de Buenos Aires, la Universidad Nacional de Lanús, la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, el Instituto Universitario Nacional del Arte y el Instituto de Tecnología ORT. También estudió pintura con Carlos Gorriarena, de quien heredó la pericia criteriosa de la paleta saturada.

El polifacético Merchensky, además de ser un artista plástico de trayectoria, es diseñador gráfico, investigador y docente. Escribe poesía y toca el bandoneón. Debido a la diversidad de su origen familiar, la existencia un tanto nómade en sus primeros años y la pluralidad temática de sus obras bien podría decirse que es un cosmopolita, es decir, un “ciudadano del mundo”, tal como Borges lo afirmaba de Xul Solar.

Precisamente, entre los maestros que más lo influenciaron se encuenta Xul, con el gradiente de sombra; Hundertwassen y Gaudí por su dominio de la línea curva a la cual Merchensky añade la línea recta, – para aludir a una naturaleza orgánica que escapa a los estereotipos del art nouveau -. Mientras que de Klimt y de antiguas civilizaciones recupera el gusto por lo decorativo y de Gaugin y Matisse adopta la fruición por la intensidad cromática.

Ahora bien, lejos de los “topográficos” acuarelistas ingleses de los siglos XVIII y XIX, que aspiraban a la copia mimética o representación de la naturaleza y solían desaturar los colores a blanco o a gris, Merchensky se distancia de la copia naturalista y desatura a negros o a tierras. Es uno de los pocos especialistas en el país en tintas y acuarelas, con la peculiaridad que estas últimas son elaboradas por él mismo, con pigmentos y recetas que recopiló en un viaje a la India.

Merchensky revisita críticamente la extensa tradición de la acuarela occidental. Aborda la pintura procurando la experimentación y el perfeccionismo técnico. En la confluencia armónica de sus tintas y acuarelas alterna tanto elementos de coloristas como de valoristas. A este método lo  denomina: “valorismo sintético”, el cual implica una síntesis superadora de una antigua dicotomía. En esta línea, el espacio pictórico está integrado por planos bidimensionales superpuestos, enriquecidos por el gradiente de sombra, la cual genera sensación de espacio y resta luz. El resultado es una gran potencia expresiva que puede apreciarse tanto en obras figurativas como abstractas.

La poética de Vladimir Merchensky se enmarca dentro de la acuarela contemporánea. Sus tintas y acuarelas develan un universo con sus propias reglas. Debido a su interés por la psicología del arte, la semiótica y las teorías de la comunicación, concibe al discurso visual como una gramática de la imagen que se articula dialécticamente a través de fuerzas opuestas. Por tal motivo, lo primordial es la estructura abierta del mensaje plástico que interpela al espectador. Sus obras imaginan nuevas realidades, cual visiones que se manifiestan de múltiples maneras como paisajes naif, abstracciones cromáticas, composiciones sincréticas, entre otras. La singular belleza de sus pinturas de intenso cromatismo cautiva al espectador en el deleite contemplativo pero, al mismo tiempo, lo subyugan por su valor semántico y simbólico que induce a la reflexión. Es por eso que son ejemplos paradigmáticos del arte contemporáneo, porque en ellas, el goce estético también es teórico.

Lic. María Gabriela Figueroa

http://www.tantatinta.com/

Elección personal en galería Imada

 Elección Personal de Federico Porfiri en la galería Imada. Junio 2015

 Galería Imada presenta “Elección personal”, la tercera muestra individual del artista plástico Federico Porfiri. La propuesta consiste en obras abiertas cuya ambivalencia oscila entre lo elaborado y lo inconcluso y que sólo pueden ser completadas por la participación del espectador.

“Elección personal”, devela la poética del artista, el proceso creativo previo a la realización final de las obras, a través de diversos recursos contemporáneos como: la sensación de inacabado del work in progress, su carácter experimental, la exhibición del proyecto y la invitación al juego.

Las obras de Porfiri son dibujos, pinturas, collages, assemblages y un original abecedario imantado que sólo pueden completarse mediante la actividad conceptual e imaginativa del público. Los pequeños tondos en madera se autodenominan en conjunto formando la palabra “boceto” y un cartel nos indica votar nuestra obra predilecta para que el artista la efectúe en gran formato. Las elocuentes escenas simbólicas se presentan cual fragmentos de relatos cuyo inicio y desenlace nos atañe evocar. Mientras que los retratos de sus enigmáticos personajes esperan ser dilucidados.

A través de la interacción y el juego las obras abiertas de “Elección Personal” se concluyen entre el artista y el espectador. Pero, para tal fin, la apreciación estética exige darse un tiempo para la recepción de la obra entendida como construcción, reivindicación de la intuición sensible y catarsis liberadora, en la medida que permite imaginar otros mundos posibles y también percibir aspectos que antes nos pasaban inadvertidos.

Lic. María Gabriela Figueroa

https://www.facebook.com/federico.porfiri

Redes en la Galería de Arte Cartel de Granada

Presentación de la muestra “Redes” de Augusto Moreno en la galería de arte Cartel de Granada. Abril – Mayo 2015.

“Redes” de Augusto Moreno: Una fusión armónica del arte social y el empoderamiento de la ciudadanía internacional:

La gran instalación escultórica “Redes” es una obra de arte conceptual realizada por el escultor Augusto Moreno en colaboración con el público y Marta Herrán quien se ocupó de la gestión.

En sintonía con trabajos anteriores, “Redes” al igual que “Adolescencia” y “Despertar sin violencia”, entre otros, están enmarcados dentro del Proyecto social “Gracias por su visita”, que utiliza a la servilleta como un medio de participación artística. Debido al ingenio creativo de Moreno, la servilleta experimentó un ready – made en sentido duchampiano y pasó de ser un humilde objeto cotidiano a tornarse en un digno soporte de expresión colectiva.

El título de “Redes” se debe a que es el primer proyecto que Moreno y Herrán concibieron íntegramente desde las redes sociales. Dentro de la tradición del arte correo, el artista realizó una convocatoria a través de dichas redes a diversas personas del ámbito cultural internacional para que plasmaran en servilletas su pensamiento y/o trabajo actual y se las enviaran vía postal. La respuesta a su solicitud fue fructífera ya que recibió aproximadamente 500 servilletas en papel intervenidas que mediante el soporte en chapa de hierro y la articulación en acero calibrado, pasaron a ser una parte vital de la instalación escultórica.

En la composición de “Redes”, el escultor Moreno, cual gran arquitecto,  se sirve tanto de relaciones analógicas como de contrapunto, en sus variantes conceptuales y plásticas, para generar un diálogo dinámico y dialéctico entre la totalidad del material recibido. Si bien cada colaborador tiene su espacio, como ocurre en los dominios de Internet, los aportes del público en su conjunto son un símbolo contundente del empoderamiento de la sociedad.

Sin lugar a dudas, “Redes” es multidimensional. Las servilletas de papel ilustradas y/ o escritas enviadas por correo postal por los colaboradores tienen dos dimensiones que tras pasar a integrar la instalación escultórica se convierten en tridimensionales. Pero, el proyecto es impensable sin la cuarta dimensión, el tiempo que implica la construcción de la obra. Dicho proceso incluye la convocatoria del público internacional vía redes sociales, la respuesta de éste, que en los casos que decide participar, envía sus servilletas intervenidas por correo postal. Una vez que el artista las recibe, las fotografía y las muestra en su página de Facebook, agradeciendo por la colaboración y sin olvidar mencionar el nombre y apellido del realizador, su lugar de procedencia y comentar brevemente su trabajo. Para concluir este circuito de realización colectiva, las servilletas son finalmente incluidas en la instalación escultórica. Merced a la pericia técnica de Moreno, cada servilleta intervenida en papel es replicada en chapa forjada respetando sus medidas originales, para ser luego anexada a la estructura de acero calibrado. Precisamente, al recorrer la vastedad de la instalación escultórica se torna evidente para el espectador la naturaleza plástica multidimensional y procesual de la obra que da cuenta de su work in progress.

El espíritu de apertura que dio origen a “Redes” reside en su anclaje en el arte correo. Esta corriente artística nacida en los años ´60, se rebela ante los rasgos de panóptico foucaultniano de los mass media y la cultura de masas, los cuales suelen emitir mensajes unidireccionales. En contraposición, el arte correo propone la comunicacional interpersonal, la ejecución de obras abiertas y colectivas que incluyen la sorpresa y el azar, el acto de compartir e intercambiar mensajes y arte por sobre una intención comercial y el pluralismo multicultural en su realización que connotan la idea de que toda persona puede ser un artista. Debido a sus ideales democráticos y disruptivos, el arte correo fue usado ampliamente en Latinoamérica durante los años ´60 y ´70 como una estrategia comunicacional que propició el intercambio entre los artistas y el público y permitió esquivar el poder autoritario de las dictaduras.

En el caso de “Redes”, su calidad de obra abierta se manifestó en la apertura de Moreno al incluir absolutamente todas las servilletas intervenidas que recibió de sus colaboradores aún de los que no pertenecían al sector cultural de la sociedad, el cual fue el inicialmente convocado. Este acto inclusivo cuyo fin es empoderar a la sociedad a través del arte, se opone a los sistemas políticos y económicos actuales que bajo la égida de la globalización tienden a aumentar in crescendo el número de excluidos.

Si pensamos en “Redes” desde una perspectiva post-histórica, Hal Foster, sugiere que las neo-vanguardias entienden y completan el proyecto de las vanguardias, ya que éstas poseen sobre aquéllas una acción diferida. En la misma línea, puede decirse que  esta instalación escultórica de Moreno, heredera del arte correo y del arte conceptual, se nutrió de vanguardias y movimientos previos como el futurismo, el dadaísmo, el situacionismo y fluxus entre otros, para potenciar sus ideas de unir el arte a la vida, incluir el azar y la libertad, desalienar al público y utilizar múltiples vías de comunicación para optimizar la participación de audiencias diversas y así difundir la idea de que cualquier persona puede ser parte de una obra artística.

Desde su estructura objetual y procesual multidimensional, “Redes” tal vez sea la metáfora perfecta de la interconexión virtual y real entre todos los seres humanos del planeta. Un ejemplo paradigmático de arte social que da cuenta de una polifonía multicultural reivindicatoria del poder de las redes sociales, del arte correo y del arte conceptual, dado que el empoderamiento de la sociedad se pone de manifiesto a través de las servilletas enviadas que proporcionan el contenido de la obra.

Según Juan Martín Prada, el arte contemporáneo reflexiona sobre el mundo que habitamos, poetiza sobre sus vacíos, exclusiones y contradicciones y promueve otras formas de alteridad. Tal es el caso de “Redes” de Augusto Moreno, una obra realizada como un acto de resistencia democrático que supo fomentar el empoderamiento ciudadano internacional frente a las restricciones de la globalización económica, cultural y financiera.

Lic. María Gabriela Figueroa

http://augustomoreno.com/


POR LAURA ÁVILA, 10 ABRIL, 2015

http://www.elcotidiano.es/redes-en-la-galeria-de-arte-cartel-de-granada/

El próximo día 16 de abril a las 20:00 horas se inaugura REDES, en la galería granadina Arte Cartel.

REDES es una creación escultórica de arte conceptual realizada por el escultor Augusto Moreno en colaboración con Marta Herrán, que se ocupó de la gestión, y sobre todo, con el público.

Gabriela Figueroa, profesora de arte en la universidad de Buenos Aires nos hace un análisis del proyecto:

En sintonía con trabajos anteriores, “Redes” al igual que “Adolescencia” y “Despertar sin violencia”, entre otros, están enmarcados dentro del Proyecto social “Gracias por su visita”, que utiliza a la servilleta como un medio de participación artística. Debido al ingenio creativo de Moreno, la servilleta experimentó un ready – made en sentido duchampiano y pasó de ser un humilde objeto cotidiano a tornarse en un digno soporte de expresión colectiva.

El título de “Redes” se debe a que es el primer proyecto que Moreno y Herrán concibieron íntegramente desde las redes sociales. Dentro de la tradición del arte correo, el artista realizó una convocatoria a través de dichas redes a diversas personas del ámbito cultural internacional para que plasmaran en servilletas su pensamiento y/o trabajo actual y se las enviaran vía postal. La respuesta a su solicitud fue fructífera ya que recibió aproximadamente 500 servilletas en papel intervenidas que mediante el soporte en chapa de hierro y la articulación en acero calibrado, pasaron a ser una parte vital de la instalación escultórica.

En la composición de “Redes”, el escultor Moreno, cual gran arquitecto, se sirve tanto de relaciones analógicas como de contrapunto, en sus variantes conceptuales y plásticas, para generar un diálogo dinámico y dialéctico entre la totalidad del material recibido. Si bien cada colaborador tiene su espacio, como ocurre en los dominios de Internet, los aportes del público en su conjunto son un símbolo contundente del empoderamiento de la sociedad.

Sin lugar a dudas, “Redes” es multidimensional. Las servilletas de papel ilustradas y/ o escritas enviadas por correo postal por los colaboradores tienen dos dimensiones que tras pasar a integrar la instalación escultórica se convierten en tridimensionales. Pero, el proyecto es impensable sin la cuarta dimensión, el tiempo que implica la construcción de la obra. Dicho proceso incluye la convocatoria del público internacional vía redes sociales, la respuesta de éste, que en los casos que decide participar, envía sus servilletas intervenidas por correo postal. Una vez que el artista las recibe, las fotografía y las muestra en su página de Facebook, agradeciendo por la colaboración y sin olvidar mencionar el nombre y apellido del realizador, su lugar de procedencia y comentar brevemente su trabajo. Para concluir este circuito de realización colectiva, las servilletas son finalmente incluidas en la instalación escultórica. Merced a la pericia técnica de Moreno, cada servilleta intervenida en papel es replicada en chapa forjada respetando sus medidas originales, para ser luego anexada a la estructura de acero calibrado. Precisamente, al recorrer la vastedad de la instalación escultórica se torna evidente para el espectador la naturaleza plástica multidimensional y procesual de la obra que da cuenta de su work in progress.

En el caso de “Redes”, su calidad de obra abierta se manifestó en la apertura de Moreno al incluir absolutamente todas las servilletas intervenidas que recibió de sus colaboradores aún de los que no pertenecían al sector cultural de la sociedad, el cual fue el inicialmente convocado. Este acto inclusivo cuyo fin es empoderar a la sociedad a través del arte, se opone a los sistemas políticos y económicos actuales que bajo la égida de la globalización tienden a aumentar in crescendo el número de excluidos.

 

Arte Ilustrado en Espacio de arte Dragón Blanco

Presentación de la muestra: Arte Ilustrado en Espacio de arte Dragón Blanco (Agosto de 2014). Juan Pablo Caro, Federico Porfiri y Pablo Zweig

La palabra “arte” tiene su origen en el término griego “techné” y en su equivalente latino “ars” que implican el métier de múltiples ciencias y oficios. Cuenta con una larga tradición en la historia del arte antiguo y medieval occidental asociada tanto la pericia técnica como al savoir- faire del universo de lo artesanal y lo manual.

Ahora bien, a partir del Renacimiento, el rol del artista se jerarquiza a través de singulares figuras como Leonardo, Miguel Ángel y Rafael quienes llegaron a ser considerados “genios”. Precisamente, Leonardo sostuvo que “La pintura es cosa mental”, con el fin de reivindicar tanto la experimentación como el carácter intelectual y creativo del trabajo artístico.

Del mismo modo, la palabra “ilustración” proviene del latín “illustrare” que significa “iluminar, dar luz al entendimiento”. En eso consiste la noble tarea del ilustrador quien procura iluminar y clarificar conceptos de las publicaciones a través de la poderosa elocuencia de las imágenes.

“Arte ilustrado” exhibe la obra plástica de tres destacados ilustradores: Juan Pablo Caro, Federico Porfiri y Pablo Zweig. Sus respectivas obras son una prueba fehaciente de que los ilustradores también pueden realizar grandes obras de arte. La calidad de esta muestra de-construye el mito falaz y anacrónico que niega la habilidad de los ilustradores para efectuar obras de arte. Dado que los artistas talentosos como Caro, Porfiri y Zweig pueden incursionar tanto en el arte como en la ilustración y ejecutar obras con pleno dominio de los recursos plásticos y a su vez, lograr por medio de una sagacidad intelectual que la riqueza formal fructifique en la riqueza semántica.

Juan Pablo Caro, presenta un dibujo eximio y un criterioso manejo del color. En sus pinturas aborda temáticas variadas que oscilan entre visiones fantásticas “Ciudad fantasma” y escenarios casi apocalípticos como en “Alerta planeta” – donde advierte sobre los futuros peligros de la contaminación in crescendo –  y “Violencia física” – en la cual un maniquí destrozado evoca lo siniestro de la violencia de género -. Lo teatral de la seducción y la conquista al acecho afloran en “Polichinella”. Asimismo, los planteos ideológicos y morales asoman en “El deseo al infierno”  de contenido cristiano ortodoxo o en “The day everything changed” cuando un hombre despoja a un ser híbrido de su máscara de dragón.

Federico Porfiri indaga en el género del paisaje de manera metafísica. La maestría de su dibujo se ve realzada por sus armonías cromático – formales que se manifiestan a través de una paleta acotada y del uso recurrente de las tramas. Sus paisajes metafísicos inducen a reflexionar sobre temas filosóficos y existenciales, como es el caso del tríptico “Tres estudios de Babel” – en el cual el cuestionamiento sobre la diversidad de lenguajes aluden al célebre episodio bíblico y también a la pluralidad de poéticas que puede explorar un artista contemporáneo -. En su pacífico díptico, “Meditación”, hace uso de elementos metafóricos como es el caso del árbol podado que sugiere la regeneración interior y la repetición de las tramas que recuerdan al ejercicio de introspección implicado en el título de la obra.

Mientras Caro y Porfiri demuestran una identidad entre sus pinturas e ilustraciones, Pablo Zweig posee una clara oposición entre sus ilustraciones depuradas imbuidas de cierta inocencia y sus pinturas más cercanas al expresionismo dotadas de una mirada irónica sobre los personajes representados. En su caso, ilustración y pintura operan como lenguajes opuestos y complementarios.

Pablo Zweig parodia la estética de las fotografías vinculadas a temáticas circenses y temáticas laborales de las décadas que abarcan desde los años ´30 a los ´50.  Sus pinturas tienen el mérito de trabajar el retrato con una lograda intensidad expresiva que simboliza la vida oscura de sus protagonistas. En la serie de las mujeres del circo se percibe la mirada de Zweig sobre lo decadente, lo melancólico y lo bizarro de ese mundo. Mientras que en “Ojos sangrantes”, “Mujer chorreada” y “Antiparras”, da cuenta de la tristeza o la violencia que puede haber detrás de la alegría efímera de una vida paupérrima.

Para concluir, cabe recordar el pensamiento de Heidegger sobre la misión de la obra de arte de “resplandecer” para mostrarnos la verdad del ser. Sin embargo, esta verdad se muestra como “alétheia”, a modo de develamiento parcial y progresivo. Es por eso que los invito a olvidar la prisa y permitirse un tiempo para deleitarse con “Arte ilustrado”, una muestra cuyas obras resplandecen tanto por sus virtudes plásticas como por su profundidad crítica.

Lic. María Gabriela Figueroa

 

Polifonías Visuales en la galería Marifé Marcó

 

 TEXTO CURATORIAL DE LA MUESTRA INAUGURAL. AGOSTO 2017

Marifé Marcó Art abre sus puertas con la muestra colectiva “Polifonías Visuales”, integrada por obras de los grandes maestros Luis Felipe Noé, Jorge Gamarra y talentosos artistas emergentes: Federico Bassini, Bruno Krauchik, Cecilia Mortola, Vladimir Merchensky Arias, Gabriela Winicki y Raúl Zuleta.

La concepción de “Polifonías Visuales” se refiere a una interrelación entre las artes. Precisamente, la correspondencia entre las mismas, ha sido propuesta por Wagner, Baudelaire, Kandinsky, Xul Solar y Luis Felipe Noé, entre otros. Wagner en su libro La obra de arte del futuro (1849) sienta las bases para la obra de arte total que implica un vínculo inter- artístico. Sus ideas fueron precursoras de la ópera moderna e influenciaron a otros artistas. En el poema de Baudelaire: “Correspondencias” (Las flores del mal, 1857), los sentidos se confunden y sugerían tener un origen común. Por su parte, Kandinsky, en sus textos Sobre lo espiritual en el arte (1912) y Punto y línea sobre el plano (1920) reflexiona sobre las relaciones entre la pintura y la música. Según él, la “resonancia interior del elemento artístico” puede ser una palabra, un sonido o un color. Establece que la música debe ser tomada como modelo para la pintura del futuro – de manera que pudiera emanciparse de la mímesis -.

En nuestro país, el polifacético Xul Solar, había creado pinturas que podían ser leídas musicalmente y tocadas en su piano. Las modificaciones que realiza de este último y del armonio fueron parte de su búsqueda de correspondencias entre la pintura y la música. Según Cintia Cristiá, Doctora en Historia de la Música y Musicología por la Universidad de París – Sorbona, algunas de las obras de Xul pueden considerarse como polifonías visuales y ciertas pinturas de Ciurlionis, Kandinsky, Kupka, Klee y Marsden Hartley, pueden denominarse fugas pictóricas.

Asimismo, Cristiá considera que hay dos tipos básicos de relaciones entre las artes: migración y convergencia. La migración sería el pasaje de un elemento, una técnica o de una temática de un arte a otro. Mientras que la convergencia, implica la interacción de dos o más artes en una misma obra. A partir de las nuevas tecnologías, la convergencia puede darse en la instalación o la performance, entre otros casos.

En música, una polifonía se refiere a un tipo de textura en la que suenan simultáneamente múltiples melodías básicas ya sea independientes o imitándose entre sí, de importancia similar y ritmos diversos que en su conjunto se articulan para componer una unidad armónica. Mientras que en Artes Visuales, una polifonía procura una emulación visual de la polifonía, que implica una composición estratificada y /o texturada para expresar plásticamente en el espacio la simultaneidad de registros que la música manifiesta en el tiempo.

Ahora bien, tal como sostiene la especialista Danisa Alesandroni en su texto: “Música y sonido en la obra y el pensamiento estético de Luis Felipe Noé (1933)” el interesante trabajo del artista y teórico argentino, trasciende estas diferenciaciones. Según Alesandroni, la interrelación entre las artes es abordada por Noé desde puntos de vista diferentes y complementarios en dos de sus libros Antiestética (1965) y Noescritos sobre eso que se llama arte (2007). A partir de las relaciones entre Artes Visuales y música Noé introduce el concepto de tiempo en la pintura, para plantear el caos como estructura y así dar cuenta del contexto en el que vivimos. El caos es concebido como el orden de lo vital en un permanente estado de transformación. En su caso, las pinturas dejan de ser algo estático ya que los contenidos surgen de las tensiones y vibraciones expresadas a través de la línea y el color. Mediante el uso de estos dos últimos elementos, o al utilizar más de un bastidor, se sale del plano para manifestar la temporalidad dinámica del caos.

Por su parte, el maestro Jorge Gamarra con sus impecables esculturas en madera “Cadencia” (1998) y las aquí expuestas de la serie “Ondulaciones” (2014), evoca sin duda una relación entre el arte del tallado y la música.

En la muestra colectiva “Polifonías Visuales” predominan las obras abstractas o con algún grado de abstracción para ilustrar los vínculos entre las Artes Visuales y la música. La curaduría fue concebida como un espacio de armonías y contrapuntos en sintonía con la diversidad de las poéticas de los artistas participantes y a su vez, es una metáfora de las intenciones de Marifé Marcó Art. En una analogía entre las polifonías visuales y polifonías discursivas, la galería inaugura en Nordelta con un espíritu reflexivo y pluralista. Nuestro anhelo es ser un espacio de deleite estético, aprendizaje, asesoría, diálogo e intercambio.

Lic. María Gabriela Figueroa

 

Luoke Chen en la galería Marifé Marcó

LUOKE CHEN: UN PUENTE ENTRE ORIENTE Y OCCIDENTE

La muestra individual del reconocido artista plástico y diseñador taiwanés Luoke Chen: “Un puente entre oriente y occidente” da cuenta de su vasta trayectoria que abarca itinerarios de formación y experiencia profesional en diversos países como Alemania, Noruega, España, Grecia, Japón, Canadá y Taiwán, entre otros.

Chen vive y trabaja principalmente en Alemania. Su poética es una fusión armónica de la cultura oriental y la occidental. Entre la figuración y la abstracción los desnudos sintéticos evocan seres humanos de estructura autónoma que parecieran transformarse en distintos elementos, tales como agua, piedras, montañas, paisajes o construcciones. El fluir vital que se percibe en sus “figuras paisajes”, su “serie Zen” y en las impresiones arquitectónicas de los suburbios – como en su serie “Impresiones de Montreal”-, que ilustran la interrelación cósmica entre la humanidad y la naturaleza. Dicha interrelación fue antiguamente planteada por el taoísmo y el zen, filosofías con la cuales Chen se identifica.

Su admiración por el tango inspiró la serie “Nostalgias”. Lo mismo puede decirse de la pintura: “Inspiración por bandoneón” (2014), ejecutada por el artista durante una performance en el Museo de Esculturas Luis Perlotti, mientras escuchaba música de Piazzola y del mural “Let´s dance tango” (2015) en el Paseo del Abasto porteño.  Tanto en la serie “Nostalgias” como estas dos últimas obras, sus figuras sintetizadas se integran sutilmente con un fondo abstracto y colorido. Podría afirmarse que logra transmitir con una sensibilidad digna de oriente la profunda conexión anímica y emocional que una pareja puede sentir mientras danza tango.

El arte de Luoke Chen da cuenta de su espiritualidad oriental que se expresa con una impronta predominantemente abstracta. Según el maestro, la abstracción permite incrementar la percepción y la imaginación, ambas fundamentales para la apreciación artística. El vigor de su pincelada fluida evidencia su dominio de la caligrafía china. En ocasiones, el pintor utiliza en sus obras movimientos del Tai Chi Chuan, arte marcial que facilita el equilibrio de la energía interior, por lo cual contribuye tanto a la preservación de la buena salud como a la resolución de los problemas cotidianos.

Chen es un artista comprometido que considera que el arte debe ser accesible para todos ya que la actividad artística contribuye a la realización personal. Por tal motivo, es habitual que realice obras en conjunto con niños y/ o adultos que se hallan en situación de vulnerabilidad social, a quienes también enseña en distintas ciudades a las que visita.

La praxis artística de Luoke Chen plasma en técnica mixta conceptos taoístas y zen tales como el vacío y la plenitud, la naturaleza en armonía con lo humano, entre otros. Sin duda, el arte de Chen, actúa como un puente intercultural entre oriente y occidente.

 

Lic. María Gabriela Figueroa

DIANA RANDAZZO EN LA GALERÍA MARIFÉ MARCÓ

 

DIANA RANDAZZO: HONRAR LA BELLEZA 

Un recuerdo entrañable que Diana Randazzo tiene de su niñez era observar a su madre colorear fotografías en blanco y negro con acuarelas. De ella aprendió a pintar y también a apreciar la naturaleza. Diana en su arte fue aún más lejos ya que explora la belleza natural para reflexionar sobre lo que la beldad artística le puede aportar a nuestra vida cotidiana.

Podría decirse que el arte de Randazzo evoca palabras que no tienen traducción literal al español, tal es el caso de “komorebi” vocablo japonés que significa: la luz que se filtra a través de las hojas de los árboles o el término alemán: “waldeinsamkeit” que alude a la experiencia de estar en el bosque disfrutando de una soledad apacible y en conexión con la naturaleza. Tanto “komorebi” como “waldeinsamkeit” se vinculan con la contemplación estética de la belleza natural.

Randazzo fotografía pequeñas flores, hojas y piedras en sus viajes de exploración. Luego, esas fotografías son pintadas e intervenidas digitalmente. En sus obras, los fragmentos de naturaleza dialogan en armónica paleta con pinturas de mandalas sintetizados. Formas, texturas y colores son protagonistas. Por un lado, al amplificar diminutas secciones de belleza natural ilustra metonímicamente el fluir vital, tema esencial en su obra. Por otro lado, los mandalas, caros a la artista, simbolizan el principio de individuación jungiano y el encuentro consigo mismo, como una manera de invitar al espectador a la reflexión. Al estar inconclusos, los mandalas de Diana inducen a la introspección meditativa para encontrar el equilibrio de la psique e incluso, la propia verdad.

Los siete libros de artista de Randazzo son blancos por fuera, pero por dentro cada uno de ellos está dedicado a un color distinto. Sus respectivos interiores se despliegan en forma de biombo, de manera similar a un códice prehispánico para relatar secuencialmente el devenir de la belleza que acontece a través de pequeños elementos naturales. Todo es narrado dentro de un marco circular, en el cual el círculo, figura geométrica perfecta es una clara alusión a los contenidos espirituales del mundo natural. De aquí se infiere la incidencia del pensamiento zen en Diana. Bien es sabido que el contacto del ser humano con la naturaleza es fundamental tanto para el budismo zen como para el taoísmo. En la misma línea, para la artista rosarina la búsqueda de la belleza natural es una búsqueda de la belleza interior.

A su vez, el protagonismo que le otorga al vacío en sus obras, también es una herencia del arte y la filosofía orientales. Diana suele representar el vacío con el color blanco o simplemente por la abundancia de espacios despojados. Para el pensamiento oriental, el vacío es fundamental ya que garantiza la plenitud a través de la lucha de los opuestos el ying y el yang que permiten el fluir vital. En sus obras, el vacío adquiere dimensiones semánticas y místicas.

El universo poético de Randazzo, pródigo en simbolismos y alegorías, cuenta con una poderosa sinergia de sabiduría conceptual y una estética depurada que evidencia su afinidad con el pensamiento zen. Tal como sostiene el filósofo coreano Byung-Chul Han, para que pueda darse una salvación de lo bello es preciso aceptar su develar progresivo, sus heridas, su cualidad moral, amorosa y vinculante. Aún ante el desafío de incorporar lo distinto. Esta es la belleza que Diana honra: la belleza como valor como un mago que nos salva frente a lo terrible de lo cotidiano. Honrar la belleza en la naturaleza, en el arte y en la vida implica apreciarla en profundidad y aceptar sus imperfecciones. De esta manera, la belleza nos aproxima a una filosofía del gozo y la gratitud.

Lic. María Gabriela Figueroa

 

El texto curatorial de la muestra también fue publicado como un artículo en la revista El Gran Otro en octubre de 2018

https://elgranotro.com/honrar-la-belleza-2/